Hay una serie de pautas que te convendría saber para poder realizar el cartel de cine perfecto.
Estas son las 6 normas que deberías saber:
1.- El fotograma perfecto
Si a la hora de diseñar un cartel de cine vas a utilizar una escena o una imagen del protagonista, lo mejor es que te asegures de que sea un fotograma bueno y que representa a la película a la perfección. Si no es posible, tendrás que gastarte el dinero y hacer una buena sesión de fotos.
2.- El género
Cuando diseñes un cartel de cine, un aspecto que debes a tener en cuenta son los diferentes géneros cinematográficos y los colores que se asocian a ellos. Así, el amarillo, suele usarse para el cine independiente; el azul, para las películas de animales; el negro, para las películas de terror y, el rojo para las películas románticas.
3.- Actores
Si los actores que protagonizan la película de la que vas a hacer el cartel no son conocidos para el gran público, no debes poner su nombre en tamaño más grande que el título de la película. Sólo deberías utilizar este recurso si los actores son verdaderas estrellas, ya que ellos sí que venden.
Diseño de carteles basados en los protagonistas:
Protagonistas flotando frente al mar: dramones.
Protagonistas espalda contra espalda: comedias de amor y odio.
Protagonistas de espaldas: héroes vengadores.
Protagonistas corriendo: thriller de acción.
4.- Parecer un cartel de cine
Normalmente, cuando se diseñan carteles de cine, se tiende a innovar; pero, lo cierto es que un cartel de cine debe parecer lo que es. Así, deberás sentir ciertos convencionalismo a la hora de maquetarlos, ya que los espectadores tienen que notar que están viendo un cartel de cine y no uno de música, por ejemplo.
Característicos los carteles machistas basados en la cara o el cuerpo de la prota:
Protagonista con las piernas abiertas: claramente una peli «picantona».
Protagonista con los morros pintados de rojo pasión: peli que no tiene otro recurso para ganar espectadores.
5.- El color
A la hora de diseñar un cartel de cine, lo mejor es que uses pocos colores y que estos tengan sentido, ya que los colores fijan la mirada y quedan en la memoria de los espectadores.
Diseño de carteles basados en el predominio de un color:
Predominio del amarillo: peli independiente.
Predominio del rojo: peli romántica.
Predominio del azul: peli de animales.
Predominio del negro: peli de terror.
6.- Título
El título de la película es lo primero que se debe ver en un cartel publicitario. Así que usa una tipografía totalmente legible, que haga que los espectadores vean, en primera instancia, cuál es la película que se está anunciando.
TEORIA EL COLOR
El color está en todas partes. La mayor parte del tiempo lo damos por obvio. A veces nos sorprendemos por ellos. A veces estamos consternados por ellos. Obviamente, son importantes para nuestras fotografías.
El color puede ayudar a contar historias (visualmente) y puede ser utilizado para comunicarse a un nivel emocional. La parte de la emoción es muy, muy importante. Es más, se podría decir que el color es el principal factor al hacer que una foto se sienta emocionante, alegre, melancólica, misteriosa o tal vez o un poco sombría.
Uno de los principales errores, sino el principal, que comete la mayoría de los fotógrafos amateurs, es pensar que más color es mejor, o no darse cuenta de que demasiados colores, sobre todo colores que no siguen ningún orden (por ejemplo, que no siguen un patrón) hacen que las imágenes sean muy confusas, incluso en algunos casos pueden ser visualmente desagradables, por decirlo de laguna manera.
Cuando vemos algo en la vida real, somos capaces de procesar y filtrar todo lo que se encuentra fuera de lo que estamos enfocando, incluyendo el color, de esta manera podemos dar sentido al mundo que nos rodea.
Con una imagen, el fotógrafo es esencialmente el «filtro» que se deshace de todo lo que no es importante para la historia o las emociones que la foto tiene como objetivo transmitir.
Si ese «filtro» no está funcionando eficazmente, si hay un montón de colores en la imagen, que no juegan un papel específico, la imagen termina termina siendo un caos y el mensaje que el fotógrafo pretende transmitir se pierde.
La Importancia Del Color En La Fotografía:
Hagamos que nuestras imágenes se destaquen, creemos algo nuevo e inusual. Cualquiera puede editar una imagen genérica, pero se necesita un artista para hacer imágenes fantásticas sin tener que editarlas.
Veamos con qué se relacionan generalmente los colores psicológicamente, de manera que podamos aplicarlos de mejor manera en nuestra fotografía:
La Importancia Del Color En La Fotografía:
Azul: paz, tranquilidad, frío, armonía, limpieza, cielo y agua.
Violeta: Realeza, nobleza, espiritualidad, misterio, floral y sabiduría.
Rojo: Emoción, deseo, energía, calor, intensidad y pasión.
Naranja: Energía, equilibrio, entusiasmo, calidez y vitalidad.
Amarillo: Alegría, felicidad, optimismo, sol y amistad.
Verde: Naturaleza, medio ambiente, salud, suerte, renovación y fertilidad.
Frío: colores relajantes como el los azules.
Caliente: Colores excitantes, tales como los rojos, naranjas y amarillos.
Mixto: Los colores con un significado fresco y cálido, como el violeta y el verde.
Neutral: La unificación de colores terrosos, como marrones, grises, negro y blanco.
Armonización: Los colores que aparecen uno junto al otro en la rueda de colores o circulo cromático y trabajan bien juntos.
Contrastando: Colores separados por otros colores en la rueda de color.
Complementos: Los colores en los extremos opuestos de la rueda de color que a menudo chocan.
Como dimos anteriormente, algunos colores son fríos – la parte del espectro azul-verde. Estos colores son generalmente suaves. Fotos que son en su mayoría de color azul o verde, exudan una sensación de calma. El otro extremo del espectro – la parte roja-amarilla, son los colores cálidos. Los rojos, amarillos, naranjas son colores ardientes, agresivos y las asociamos con sentimientos similares.
"No parezco yo". Puede que hayas hecho este comentario muchas veces al verte en una fotografía. Por lo que sea, la luz hacía que tu cara tuviese un aspecto diferente al habitual. El juego de luces y sombras puede modificar nuestra percepción.
El trabajo 5 tiene 2 partes.
1º PARTE: Consiste en la creación de un vídeo musical experimentando con diferentes luces, filtros y efectos para crear un trabajo inspirado en esta obra: Opale - " Sparkles and Wine" .
Debe aparecer la cara con los diferentes efectos de luz en el trabajo, ejemplo:
El efecto óptico del videoclip captó mucha atención en 2013, cuando se lanzó la canción. Medios de todo el mundo dedicaron artículos al juego de luces de Sparkles and wine, motivo por el que el vídeo acumula más de cuatro millones de reproducciones en Vimeo.
El director del vídeo es Nacho Guzmán, un madrileño de 33 años (de 27 cuando dirigió el vídeo) que se sigue dedicando al sector audiovisual en Londres. "Muchas personas me escriben para preguntarme qué sistema utilicé para conseguir ese efecto".
"Las luces lo son todo, ya que la cámara se mantiene completamente estática. Se podría decir que las luces llevan el peso creativo de la acción y la cámara es un mero espectador. Se puede ver en los ojos de Stella, nuestra increíble actriz. Si te fijas bien, o si amplias la imagen, verás que reflejado en sus pupilas se puede observar el truco. No tiene más", dice Guzmán. Fíjate en cómo el punto de luz gira en torno a las pupilas de la actriz, que no cambia su posición en ningún momento.
Guzmán asegura que se inspiró en otras escenas parecidas, concretamente en este homenaje a la película inacabada de Henri-Georges Clouzot El infierno. En la película se utilizaba la misma técnica.
"A mi parecer son las sombras creadas por las luces las que consiguen confundir a nuestros ojos. Logramos lo más difícil a día de hoy, que es conseguir que la audiencia contemple un vídeo hasta el final de su duración", añade.
2º PARTE: Crear 4 fotos inspiradas en la serie fotográfica "La realidad es la percepción del artista" de Sebastian Petrovski. Este ejercicio artístico busca mostrar cómo la luz puede cambiar cualquier rostro.
LUZ SUAVE/ LUZ DURA
TEMPERATURA DE COLOR CÁLIDA Y TEMPERATURA DE COLOR FRÍA
Crea un video individual de unos 60 segundos de duración, con la técnica del stopmotión, para ello usaremos la aplicaciónStopmotion studio. Utilizaremos los conceptos explicados en el tema (punto, lineal, plano...) para hacer composiciones dinámicas y creativas de acuerdo con la música y la temática de vuestro trabajo.
Ejemplo de corto el punto y la línea. Cortometraje Ch. Jones:
Cuenta la historia de una sensible línea recta que se enamora de un punto. El punto, sin embargo, encuentra a la línea aburrida y convencional, por lo que focaliza sus sentimientos hacia un garabato de personalidad despreocupada. Si bien al principio sufre por el rechazo, la línea se esfuerza y un día logra variar su forma. Tras días de práctica, la línea logra convertirse en lo que quisiera.
Cuando el punto nota esto, se da cuenta de que además de representar libertad y diversión, el garabato no era más que caos y pereza. Es por esto que el punto lo abandona y opta por la línea. Tras esto, la línea y el punto vivieron "si no siempre felices, al menos razonablemente".
En esta unidad queremos que explores la historia del cine, sobre todo en sus comienzos. El cine supuso en su momento un cambio para la forma de pensar del mundo y a lo largo del siglo XX ha significado una verdadera revolución en las artes, la cultura y el pensamiento de la especie humana.
El cine es, además de un espectáculo de masas, la imagen en movimiento de la historia de este siglo. El cine ha servido para crear nuevos lenguajes, es decir, una forma diferente de contar las cosas, y por lo tanto ensaya constantemente técnicas, efectos especiales, trucos y maneras distintas de expresión que hacen avanzar tanto la técnica como el arte.
A partir de aquí vas a recordar el cine que conoces, vas a buscar películas que te gusten, vas a reflexionar sobre lo que el cine a aportado a la historia de la humanidad y vas a divertirte en el mundo del cine.
¿Qué pretendemos?
Reflexionar sobre la importancia del cine y las razones por las que vamos a verlo.
Analizar la figura de un director y actor de los comienzos del cine.
Conocer las primeras imágenes del cine y su repercusión en las ciencias y el arte.
Expresar las diferencias entre cine antiguo y actual.
Valorar la importancia del sonido en el cine.
Analizar películas extranjeras y españolas.
¿Qué sabemos?
¿Puedes definir lo que es el cine?.
¿Qué año se considera que se proyectó la primera película comercial?.
Enumera cinco películas del cine mudo.
Enumera cinco películas de cine musical.
Después de ir al cine, ¿comentas la película con alguien?.
El cine es arte, técnica, o las dos cosas.
¿Qué vamos a aprender?
Conceptos
Historia del cine:
Inicios del cine.
Imagen en movimiento.
Cine mudo.
Cine sonoro.
Cine actual.
Cine como arte.
Cine como técnica.
Cine como medio de comunicación.
Ficha técnica de una película.
El cine como historia.
Los géneros cinematográficos.
Procedimientos
Diferenciación entre imagen fija y móvil.
Realización de la ficha de una película.
Análisis de la mímica en el cine mudo.
Distinción entre géneros cinematográficos.
Relación entre cine e investigación.
Relato del argumento de una película.
Análisis de diversos tipos de sonido en el cine.
Actitudes
Opinión sobre los cambios producidos en el cine.
Valoración del cine como arte, técnica y medio de comunicación.
Juicio sobre la propia actitud ante el cine.
Apreciación del cine antiguo.
Interés por el cine y sus posibilidades.
Mapa conceptual
Montaje
Puesta en escena
Documental
Técnica
Arte
¿Qué es el cine?
Medio de comunicación
Expresión corporal
Pintura
Fotografía
Literatura
Narrativa
Música
Investigamos y aprendemos el cine
Actividad 1. Cuestionario sobre la última película que has visto
Esta actividad la vas a realizar para que te des cuenta de por qué vas al cine y la importancia que le das a las películas que ves.
¿Te gusta el cine?. Razona tu respuesta
¿Qué películas te gustan más?
¿Te gusta más ver una película en el cine o por televisión?
¿Cuántas veces vas al cine?
al mes
al año.
¿Con quién vas al cine?. Padres, amigos.
¿Cual es la ultima película que ha visto?.
¿Por qué fuiste a verla?.
¿Qué es lo que más te gustó de la película?.
Cuenta brevemente de qué trata esa película. Explica en pocas líneas el argumento.
Si te acuerdas, escribe:
Quiénes son sus actores principales.
Su director.
El año en que se hizo.
Si se ha ganado algún premio, di cual.
¿Puedes explicar algo más de la película?.
Cita alguna otra película en que hayan actuado los mismos actores.
Nombre del actor ………………………… Película …………………………
Nombre del actor ………………………… Película …………………………
Cita alguna otra película del mismo director.
Actividad 2. Analiza una imagen de cine
(Elige con ayuda de tu profesor una fotografía, una secuencia de película de Charles Chaplin, o ambas).
Esta actividad la vas a realizar, con la ayuda de alguna enciclopedia, para que puedas aprender algo de los comienzos del cine.
Tienes delante un personaje importante del cine.
¿Cómo se llama realmente?.
¿Cómo se le llama familiarmente?.
Cita por lo menos cinco películas en las que fue actor.
Haz un breve resumen de su vida.
Cita por lo menos siete películas que dirigió.
Si has visto alguna de sus películas.
Di cuál.
Si te acuerdas, cuenta de qué trata.
Para contestar este cuestionario, debes ayudarte de alguna enciclopedia
Actividad 3. Analizar el texto: Los comienzos del cine
Con esta actividad se pretende que reflexiones sobre la importancia de las primeras imágenes del cine para la ciencia, la historia y el arte del siglo XX
Sugerencia: Ver alguna secuencia de película de los comienzos del cine.
1. Lee el texto completo. Los comienzos del cine. Pincha en cada uno de sus apartados.
2. ¿Por qué crees que los espectadores de la primera proyección de los hermanos Lumiére quedaron «boquiabiertos, estupefactos y sorprendidos más allá de lo que puede expresarse»?.
3. Por qué piensas que las primeras películas causaron tanto éxito a pesar de ser tan cortas y con temas tan vulgares y sencillos.
4. Expresa tu opinión sobre las primeras imágenes del cine.
5. Busca en alguna enciclopedia o texto, y explica cómo era el material con el que se trabajaba en los primeros tiempos del cine.
6. El cine refleja la historia. Explica las razones y pon algún ejemplo de películas que conoces.
7. El cine es arte. Pon algún ejemplo de películas que conoces.
Actividad 4. Analizar una película muda
Con esta actividad te vas a dar cuenta de lo importante que era la mímica y la interpretación en los primeros años del cine.
Elige una película muda, un cortometraje, a ser posible de alguno de los cómicos, Charles Chaplin, Stan Laurel y Oliver Hardy, Buster Keaton, Harold, etc. Verás que aunque se hicieron mudas posteriormente les pusieron música, y a alguna de ellas explicaciones orales. Puedes suprimir el sonido para verla tal y cómo se filmó.
1. Ver la película.
2. Contar el argumento.
3. Explicar las actuaciones de los principales personajes.
Fíjate especialmente en
Los gestos: Cómo los hace cada uno. Escríbelo.
El maquillaje. Descríbelo.
4. Explica la razón por la cual son tan exagerados los movimientos de los actores.
5. Representar la escena en el aula, imitando los movimientos de los protagonistas.
Actividad 5. Hacer la ficha de una película musical y analizar el cine sonoro
En esta actividad vas a tomar contacto con el sonido y la música en el cine y valorar la importancia que tiene.
Estos son los principales elementos que componen la ficha técnica de una película
Título de la película.
Director.
Productor.
Autor de la música.
Director de fotografía.
Si es en color o blanco y negro.
Actores principales.
Duración aproximada.
Síntesis del argumento
1. Busca una película musical que te guste o que proponga tu profesor.
Haz una ficha técnica de la película
2. Busca la música de la película, y óyela junto a tus compañeros.
Elige la canción, sección o fragmento que más te guste.
Explica por qué la has elegido.
Cada uno de tus compañeros puede opinar sobre tu elección.
3. Elige otra película de tu gusto, y busca una secuencia en la que haya sonidos que no sean música ni palabras. Ruidos, motores, tiros, ráfagas, puertas, pasos, etc. haz un ejercicio de identificación de diez sonidos distintos.
Título de la película elegida.
Director.
Secuencia elegida. Cuenta cómo es la secuencia.
Enumera diez sonidos de la secuencia que no sean ni música ni palabras.
4. Elabora un mural, junto con los compañeros de tu grupo, con datos e imágenes de películas musicales que extraerás de revistas, periódicos o textos.
Actividad 6. Para conocer mejor el cine actual
Con esta actividad vas a reflexionar e investigar sobre el cine actual, tanto español como extranjero.
1. Haz una lista de diez películas extranjeras realizadas en los diez últimos años.
2. Haz una lista de diez películas españolas realizadas en los diez últimos años.
3. Elige una película extranjera y otra española, que hayas visto.
4. Con cada una de las películas elegidas vas a realizar.
La ficha técnica de cada película.
Tu opinión general sobre cada una de las dos películas elegidas.
Razón por la que la has elegido.
Qué te ha gustado más.
Qué te ha gustado menos.
Si has aprendido con la película algo nuevo.
Si lo que has aprendido lo consideras positivo o negativo.
5. Haz notar por lo menos diez diferencias entre el cine actual y el de los primeros tiempos.
(Las razones de algunas de las principales diferencias las puedes encontrar en una enciclopedia.)
6. Una de las diferencias más importantes entre el cine actual y el antiguo está en la utilización de la tecnología.
Explica cómo se utiliza en el cine.
Pon ejemplos de escenas o secuencias de películas en las que están presentes los avances tecnológicos de última hora.
Enumera y explica algunos trucos o efectos especiales que conozcas.
7. Enumera títulos de películas por género o estilo de cine:
Terror.
Oeste.
Drama.
Dibujos animados.
Aventuras.
Comedia.
Vamos a conocer el cine
1. El cine como técnica, arte y medio de comunicación
El cine es la historia del siglo XX, ya que nació a finales del siglo pasado. Casi todo lo sucedido en este siglo se ha filmado, tanto en documental, como hecho película. En algunos casos el cine refleja la realidad casi tal y cómo es. Otras veces se basa en la ficción y utiliza todas las posibilidades que tiene de entretener y enseñar a los espectadores.
El cine es técnica.
Al principio de la era del sonoro se perfilaron tres formas de abordar la creación cinematográfica. La primera de ellas se basó en el montaje, método que consiste en rodar y después juntar los fotogramas. La segunda da prioridad a la puesta en escena, con secuencias narrativas más largas. La tercera fue el documental, un aproximación más real a la vida cotidiana, sin actores ni artificios. La historia del cine es el modo en el que los directores han combinado estas tres vías para expresar su concepción personal del mundo.
El cine es arte.
«El cine no tiene nada que ver con el teatro; los que lo creen se equivocan. Es absolutamente original. En ‘La quimera del oro’, destrozo un cojín; las plumas bailan, blancas, en la pantalla negra. En el teatro tal efecto sería imposible de obtener. Por lo demás, ¿qué habría añadido de vivacidad la palabra a esta escena?. El arte cinematográfico se parece más a la música que cualquier otro. Cuanto más trabajo, más me sorprenden sus posibilidades y más convencido estoy de que aún no conocemos nada de él». Estas declaraciones, debidas a Charles Spencer Chaplin, fueron publicadas en julio de 1929. El gran Charlot replicaba con ellas a quienes consideraban el cine como una especie de «teatro en conserva» o de creación literaria expresada con elementos especiales. El cine aglutina todas las artes: la pintura, la literatura, la fotografía, la narrativa, la expresión corporal, la música …
El cine es un medio de comunicación
Se ha repetido en muchas ocasiones que el cine no es tan sólo una industria o un comercio. Por encima de cualquier otra consideración y antes de ser tomado como Séptimo Arte -según la definición del crítico cinematográfico italiano Ricciotto Canudo en su Manifiesto del séptimo arte-, el cine ha de ser visto como medio de comunicación, con su técnica expresiva concreta y precisa.
2. Los comienzos del cine
En plena época industrial nació el cinematógrafo, una máquina inventada por los hermanos Lumiére, que satisfechos por su trabajo decidieron efectuar una presentación pública en París, en un local situado en el sótano del Grand Café, en una sala muy pequeña para que si fuera un fracaso pasara más inadvertido, mientras que un éxito provocaría aglomeraciones sensacionales en la entrada del local. La fecha de la primera representación fue el 28 de diciembre de 1895.
Aseguran las crónicas que flotaba en la sala, antes de comenzar la proyección, un ambiente de frío escepticismo. Este sentimiento duró todo el tiempo que las luces permanecieron encendidas, pues al apagarse, un tenue haz cónico de luz brotó del fondo de la sala y al estrellarse contra la superficie blanca de la pantalla obró el prodigio. Apareció, ante los atónitos ojos de los espectadores. la Plaza Bellecour, de Lyon, con sus transeúntes y sus carruajes moviéndose. Los espectadores quedaron petrificados, «boquiabiertos, estupefactos y sorprendidos más allá de lo que puede expresarse», como escribe Georges Méliés, testigo de aquella maravilla. Y Henri de Parville recuerda: «Una de mis vecinas estaba tan hechizada, que se levantó de un salto y no volvió a sentarse hasta que el coche, desviándose, desapareció. »
Desde aquel momento la batalla estuvo ganada. Los espectadores se hallaban auténticamente anonadados ante aquel espectáculo jamás visto. «Los que se decidieron a entrar salían un tanto estupefactos, narra Volpini, y muchos volvían llevando consigo a todas las personas conocidas que habían encontrado en el bulevar».
Las diez primeras películas
Y, sin embargo, las diez brevísimas películas de diecisiete metros que componían los primeros programas presentados por los Lumiére mostraban imágenes absolutamente vulgares e inocentes. Sus títulos fueron: «La salida de los obreros de la fábrica Lumiére»., «Riña de niños»., «Los fosos de las Tullerías»., «La llegada del tren»., «El regimiento»., «El herrero»., «Partida de naipes»., «Destrucción de las malas hierbas»., «La demolición de un muro». y «El mar»..
Como puede verse, nada nuevo ni nada extraordinario ofrecían estos temas banales, propios del repertorio de cualquier fotógrafo aficionado de la época. Pero, a pesar de ello, el impacto que causaron aquellas cintas en el ánimo de los espectadores fue tan grande que al día siguiente los diarios parisinos se deshacían en elogios ante aquel invento y un cronista, víctima de una alucinación, elogiaba la autenticidad de los colores de las imágenes.
Cuando se piensa en las razones por las que el público quedó fascinado ante aquel invento resulta inevitable sentir cierta sorpresa. No fueron los temas. No fue la salida de una fábrica o la llegada de un tren lo que llamó la atención de los espectadores, pues eran cosas vistas mil veces y bastaba con acudir a la fábrica o a la estación para contemplarlas, sino sus imágenes, sus fidelísimas reproducciones gráficas que, aunque reducidas a las dos dimensiones de la pantalla, conservaban su movimiento real. Fue la maravillosa capacidad de aquel artefacto para reproducir la realidad en movimiento lo que provocó el asombro y la perplejidad de los espectadores parisinos. (extracto de GUBERN, R. (1995): «Historia del Cine». Edit. Lumen, Barcelona)
3. El sonido de una película
En la copia standard de la película hay dos bandas, una dedicada a la imagen y otra al sonido.
La banda de sonido puede ser:
1. Óptica: Se registra haciendo incidir un rayo luminoso que varía de intensidad con la variación de timbre y velocidad de sonido sobre una película virgen.
2. Magnética: está adherida a la película en una banda estrechísima, o es una cinta de 35 mm. que se proyecta en doble banda. Pero para conseguir esas bandas de sonido se han necesitado antes otras bandas llamadas:
De diálogo: aquella en la que está registrado y montado el diálogo de la película, de efectos especiales, en la que se han montado todo tipo de sonidos ambientales que arropan a las acciones (tales como grillos, tráfico, pájaros, etc.)
De efectos sala: en la que se han montado aquellos sonidos ambientales que, dependiendo de las acciones (como pasos, apertura y cierre de puertas, manipulación de objetos, etc.), se doblan en sincronismo en un estudio de sonido.
De música, que contiene la grabación de la música de la película convenientemente montada en sus lugares correspondientes.
El sound track: en el que se han registrado, mezcladas, todas las bandas mencionadas anteriormente, menos la de diálogos.
De mezclas: que es la banda sonora del filme, mezcla del «sound track» y la banda de diálogos, y que se enviará al laboratorio para ser fotografiada y copiada como sonido óptico, o de la que se sacarán las copias magnéticas correspondientes.
Esta información está tomada de un CD-ROM, Cinemedia, de Canal +. Con esta actividad puedes aprender que todos los medios se relacionan y que puedes sacar información no solamente de libros y enciclopedias, sino de otros medios diferentes.
Concluimos
Has entrado en los primeros tiempos del cine, y en su historia. Cuando vayas al cine, piensa en el enorme esfuerzo científico, técnico, artístico y creativo que supone hacer una película. Dale también la importancia que se merece una obra que por medio de imágenes, sonidos y colores es capaz no solamente de captar tu atención sino que además te hace aprender algo.
Puedes hacer, para finalizar, un dibujo o comic sobre alguna secuencia de cine antiguo que te guste. El regador regado, alguna de Charles Chaplin, etc.
Trabajo 6: realizar un storyboard basándose en el GUIÓN LITERARIO, mínimo de 25 viñetas, donde se especifique, una breve descripción de lo que ocurre, los planos utilizados en cada viñeta, el dialogo, los efectos especiales y la música.
EJEMPLO:
ANTES DE EMPEZAR HAY QUE TENER EN CUENTA:
1º Análisis de las posibilidades de realización con las que contamos. Qué aparatos necesitamos.
2º Determinación de objetivos.
Lo primero que debemos preguntarnos es qué queremos comunicar, a quién y cómo.
3º Elección y desarrollo del tema.
La elección se realizará en función de los objetivos establecidos: informar, motivar, crear actitudes, etc. Las personas o alumnos que lo van a ver (edad, nivel sociocultural, conocimientos del tema, etc.) condicionan también en gran medida la forma y el fondo del guión.
4º Búsqueda de información.
Exige una revisión bibliográfica, consulta de fuentes, así como asesoría técnica o didáctica.
5º Desarrollo del guión.
EL STORY BOARD:
El Storyboard es un conjunto imágenes mostradas en secuencia, con el fin de pre-visualizar una animación o cualquier otro medio gráfico o interactivo.
Básicamente el stoyboard es un guion gráfico, que nos permite la pre-visualización de nuestra PELÍCULA antes de que este terminada. En este se plantean las ideas principales de nuestro guion técnico y literario, en este se dejan en claro los detalles de cada escena.
La forma de elaborar un storyboard varían, dependiendo de su uso o lo que vayamos a ejecutar, ya sea un video, un poster, una animación o hasta una pagina web.También podemos encontrar storyboards llenos de color o en blanco y negro, lleno de detalles o simplemente trazos que esbozan una idea de figuras. Es común la utilización del storyboard en animaciones ya sea tradicionales o por computadoras.
¿Como se debe hacer un Storyboard?
La realización de un Storyboard te permitirá planificar mejor y sacaras mayor provecho al tiempo de producción.
Narración: antes de filmar tu película has escrito el texto del narrador. Aquí tienes que dividir el texto en tantos fragmentos como desees. Recuerda que es importante su brevedad: el vídeo debe incluir silencios que ayuden a resaltar las imágenes. La narración no debe contar lo que se ve en la película, sino aportar información y explicar lo que se va a ver.
Tomas, tipo de plano, movimiento de la cámara: una vez escrito el texto, piensa en las imágenes que deseas tomar para mostrar y explicar lo que la voz está narrando. Combina planos generales con detalles a medida que son mencionados en la voz. Un texto debe contener múltiples planos. A ser posible, las imágenes deben durar más tiempo que el texto, de modo que se produzcan frecuentes silencios de voz.
Dibujo o imagen: No hay que ser el mejor dibujante para hacer un storyboard, lo importante es que se pueda interpretar la secuencia.
Aunque para la creación del storyboard no hay un formato especifico, estos son dos ejemplos del tipo formato para la realización de un storyboard. Como hemos visto lo mas importante que debe contener es un espacio para la narración, un espacio para un boceto, ademas de la especificación del numero de la escena (si es necesario).
Dato curioso: El proceso de storyboard, en la forma que se conoce hoy, fue desarrollado en los estudios de Walt Disney durante principios de los años 1930, después de varios años de procesos similares que fueron empleados en Disney y otros estudios de animación. El Storyboard se hizo popular en la producción de películas de acción viva durante principios de los años 1940.
Fue tal el éxito del storyboard que en pocos meses todos los estudios de animación importantes del momento empezaron a utilizarlo también. La primera película de no animación en la que se utilizo esta herramienta fue “Lo que el viento se llevo” en el año 1939.
Crea primero una trama o sinopsis (una historia), primero haz un esquema con la trama ( como el que se ve a continuación), crea a los personajes ( PRINCIPAL, secundarios, antagonistas, etc). extensión 1 folio.
Después escribe el Guión literario o continuidad dialogada, es cuando la redacción novelada se convierte en secuencias y escenas, en las que los diálogos y la explicación de los lugares de acción, lugar y tiempo son especificadas con claridad, es la historia final, tiene que tener como mínimo 5 folios de duración.
TEORÍA: ¿CÓMO CREAR UNA HISTORIA?
1- Escoge un tema en el que hayas pensado y decide si es interesante o no.
2. Debes saber el grupo de edad y público para tu historia. Si quieres dirigir tu historia a las personas menores, escribe sobre temas juveniles. Si tu grupo de edad son personas mayores, es mejor escribir acerca de tema más maduros.
3. Crea los personajes.
Crea personajes interesantes y memorables. Se puede decir que los personajes son más importantes que el argumento. Incluso si al lector no le parece que el argumento sea especialmente interesante, es posible que siga leyendo la historia debido a los personajes que lo atraen o con los que se puede relacionar.
Los personajes deben tener una motivación clara y bien definida. Esta puede ser una necesidad, un deseo, un objetivo o simplemente un rasgo de la personalidad, pero debe quedar claro qué es lo que marca a cada personaje.
Trata de que tus personajes sean contradictorios o complicados de otra manera, pues esto los hará más realistas. Recuerda que en la vida real nadie es siempre bueno o siempre malo, así que los personajes de ficción tampoco deben serlo.
Haz que tus personajes sean vulnerables en algún aspecto. Sea una vulnerabilidad física o emocional, cualquier tipo de sufrimiento o debilidad humana hace que sea más fácil relacionarse con los personajes.
Planea más características y motivaciones para cada personaje principal de los que incluirás de manera explícita en la historia. Simplemente saber qué es lo que hace que tus personajes estén contentos, tristes, asustados y demás puede influir sutilmente en la manera en que escribes sobre ellos.
4. Empieza a crear tu historia. Es muy importante que te guste:
a) Crea un argumento:
CONSEJOS PARA ESBOZAR UN ARGUMENTO:
Muchos autores novatos que escriben fantasía dependen demasiado en los elementos fantásticos de la historia y no le prestan atención a desarrollar primero la historia en sí. Sin embargo, antes de que puedas escribir una obra convincente de ficción fantástica, necesitarás todos los elementos de un argumento sólido y atractivo.
Por esta razón, podría ser útil elaborar al menos un esquema de estructura para que te ayude a seguir lo que sucede en tu historia y a quién.
Todos los argumentos deben tener algún elemento que ponga en marcha la historia. Podría ser un conflicto externo o interno, pero algo tiene que pasar para que la acción pueda avanzar.
b) Desarrolla el conflicto. Un buen conflicto es crucial si quieres escribir un argumento sólido para cualquier tipo de ficción. El conflicto motiva a los personajes, cataliza la historia y crea la tensión con la que el lector se identificará.
Una estrategia común es describir las motivaciones del antagonista que están en conflicto directo con las del protagonista. Esta técnica crea una tensión inmensa y permite que el lector se identifique más con el protagonista.
El conflicto puede suceder entre una persona y ella misma, dos personas o entre una persona y un concepto abstracto (sociedad, dios, dioses o diosas, entre otros).
c) Expande y desarrolla el argumento. Llenarlo con detalles vívidos y acontecimientos complicados te ayudará a que hagas que la historia cobre vida para tus lectores. Trata de incorporar la mayor cantidad de detalles sensoriales que puedas de modo que los lectores tengan una idea real de lo que tus personajes experimentan y de cómo es tu mundo ficticio.
Obviamente, será bueno que incluyas imágenes y sonidos de dicho mundo, pero no te olvides de sus olores, sabores y sensaciones táctiles.
d) El desenlace, en el que se resuelve completamente la tensión, es esencial para hacer que la historia avance hacia su final lógico.
Termina la historia en un punto lógico. No alargues la historia por capítulos y capítulos una vez que la tensión esté resuelta, pero tampoco te apures en terminar. Decide en qué parte debe terminar la historia de manera lógica teniendo en cuento lo que quizás los lectores quieran saber sobre los personajes uno o dos capítulos después de la resolución de la tensión.
Asegúrate de que los personajes resuelvan sus conflictos. No trates de que la naturaleza, un nuevo personaje o algún elemento divino arregle todos los conflictos o los lectores perderán interés rápidamente.
Si tu historia es parte de una saga más extensa, tendrás que equilibrar un final lógico para esta historia y una pista sobre lo que ocurrirá en la siguiente.
Si tu historia es una sola obra de ficción, piensa en las preguntas que quedarán pendientes después de que la tensión concluya. Piensa en lo que les pasará a los personajes principales, así como en lo que podría pasarle al mundo que has creado después de que el conflicto central se haya resuelto.
5. Dale un título a tu historia que haga que las personas sientan curiosidad de leer todo el libro, y
asegúrate de tener una introducción interesante que haga que los lectores quieran leer más.
Las etapas para escribir un guión:
Cuando se escribe un guión se hace en varios tiempos que corresponden a diferentes escalas o tramos de un guión.
«Sinopsis». Es un resumen muy breve del relato, que sirve para que el productor se fije en la idea. Suele tener unas pocas páginas, cinco o seis.
«Redacción novelada o Tratamiento». Es la redacción del relato como si fuera una descripción novelada, de forma lineal en cuanto a la visión que la futura película va a dar. Puede tener entre cuarenta y sesenta páginas.
«Guión literario o continuidad dialogada», cuando la redacción novelada se convierte en secuencias y escenas, en las que los diálogos y la explicación de los lugares de acción, lugar y tiempo son especificadas con claridad. No es necesario que tenga más de ciento treinta páginas.
«Guión técnico»: No todos los directores lo exigen y es muy variada su forma de realización. Su base es el «Guión literario», que se divide en planos, escenas, secuencias, siendo en realidad un montaje en borrador. No tiene por qué tener más de ciento cincuenta páginas.
EL GUIÓN LITERARIO
Es el nombre que se le da al documento que desglosa una historia (pensada para llevar al formato audiovisual) en escenas. Cada escena se detalla con tres elementos:
ENCABEZADO.
El encabezado es lo primero que se ve de la escena y en él se especifica dónde y cuándo transcurre la acción. Se escribe en mayúsculas y en negrita para diferenciarlo de resto del texto y tiene una estructura concreta:
Defines el espacio “INT.” (interior/espacios cerrados) o “EXT.” (exterior/espacios abiertos).
Especificas el lugar concreto en el que se desarrolla esa escena “COMISARÍA DE POLICÍA“, “COCINA“, “BOSQUE“, etc.
Concretas el momento del día en el que transcurre las acción “DÍA” o “NOCHE“. También puedes usar “AMANECER” o “ATARDECER”, pero sólo en situaciones en las que ese detalle sea importante para la historia.
2. ACCIÓN.
En un par de párrafos se describe la acción que tiene lugar en la escena. Al contrario de como se hace en las novelas, en el guión literario tienes que explicar los hechos de forma concisa, de forma que lo que narres resulte visual.
En este punto, necesitas más que nunca el famoso show vs tell. Es decir, no digas que tu personaje está nervioso, di que está moviendo el pie o mordiéndose las uñas. Necesitas referencias visuales que hagan que el espectador entienda cómo se puede estar sintiendo tu personaje.
La acción se escribe siempre en tercera persona, con verbos en presente y los nombres de los personajes en mayúscula (esto último suele depender del guionista, pero es aconsejable hacerlo para ver de un rápido vistazo qué personajes/actores están en cada escena).
3. DIÁLOGO.
Dentro de la acción, si los personajes se comunican entre ellos, tendrás que escribir su diálogo. Pero como hasta ahora, la forma de mostrar la conversación no tiene nada que ver a como se hace en una novela.
Cada párrafo o frase de diálogo va precedido del nombre del personaje correspondiente en mayúsculas. Si tienes que especificar alguna acción o tono que utiliza el personaje mientras está hablando, hazlo con una acotación justo debajo del nombre del personaje y entre paréntesis.
En uno o más párrafos muestras las palabras que pronuncien los personajes. Cada párrafo de diálogo va precedido del nombre del personaje correspondiente, en mayúsculas. Para informar de cualquier acción que el personaje realice mientras habla o del tono con el que hable, hay que emplear una acotación, que se escribe justo bajo el encabezado, entre paréntesis.
Como todo es mejor con un ejemplo, aquí tienes uno con todos los elementos mencionados:
Como ves, el guión literario tiene unas reglas muy específicas que tanto el guionista como el resto del equipo han de saber. Este formato es muy estricto con los márgenes, por ejemplo, pero quien vaya a recibir tu guión seguro que es inflexible con estos puntos:
Páginas numeradas.
Texto alineado a la izquierda.
Letra Courier tamaño 12 (los guiones se escriben siempre con esta tipografía porque los primeros se escribían con máquina de escribir y Courier era la letra que utilizaban por defecto).
