PARA LA PARTE TEÓRICA DEL TEMA DEL SONIDO, VAIS A REALIZAR UN POWERPOINT (DE 10 DIAPOSITIVAS MÍNIMO, CON FOTOS Y VÍDEOS CORTOS) SOBRE UN TEMA RELACIONADO CON EL SONIDO, LOS VOY A ASIGNAR ALEATORIAMENTE ENTRE LOS ALUMNOS DE LA CLASE.
Tema 1: HISTORIA DEL SONIDO EN EL CINE. ANTECEDENTES E INICIOS. AVANCES PRINCIPALES DEL SONIDO.
CARRILLO SÁNCHEZ, ANA MARÍA
PARRA PÁRRAGA, NEREA
VERÁSTEGUI VEGA, NOA DE
Tema 2: GRANDES COMPOSITORES DE BANDAS SONORAS DE LA HISTORIA DEL CINE.
LÓPEZ VÉLEZ, MARTINA
MATAS LORENTE, NOELIA
RUIZ-ERANS LORCA, MARIO
Tema 3: ELEMENTOS PRINCIPALES DEL SONIDO: VOCES, MÚSICA, RUIDO, SILENCIO Y FOLEY.
LÓPEZ MARTÍNEZ, LUCÍA
CUBA PAULO, DAVID
MATEO YAGÜE, MARÍA
Tema 4: CARACTERÍSTICAS DEL SONIDO CUALIDADES Y DIMENSIONES. GÉNEROS BANDAS SONORAS.
MORENO LÓPEZ, PEDRO
PARDO MADRID, JUAN JOSÉ
Historia del diseño de sonido:
El concepto de diseño de sonido es relativamente reciente. El primero que apareció en los créditos de una película como diseñador de sonido (sound designer) fue Walter Murch por su trabajo en Apocalypse Now (1979), de Francis Ford Coppola.
Esto fue así debido al gran trabajo que hizo Murch para la película, consiguiendo que nos sumergiéramos en la guerra de Vietnam.
Coppola quería reconocerle el gran mérito de su trabajo, y por eso acuñaron en los créditos el título de “montaje y diseño de sonido”.
Desde entonces, al principal responsable del sonido de una película se le suele dar ese nombre cuando realiza el diseño sonoro.
Aunque como ya hemos dicho anteriormente, a veces puede adoptar otros nombres. Depende de cada película.
Qué hace un diseñador de sonido:
A este respecto, encontramos dos vertientes diferentes.
Por un lado, los diseñadores de sonido que hacen el sonido para objetos o lugares inexistentes, creando efectos de sonido. El más conocido es Ben Burtt. Es nada más y nada menos que el creador de los sonidos de toda la saga Star Wars.También ha hecho el sonido de Indiana Jones o de E.T., de Spielberg. Y ha trabajado en películas recientes como Wall-e, creando prácticamente un lenguaje propio.
Aquí te dejo un making of muy interesante sobre el diseño de sonido de Wall-e, en el que se repasa también la carrera de Ben Burtt y sus sonidos para la Guerra de las Galaxias.
Como has podido comprobar, el trabajo de Ben Burtt consiste básicamente en crear un universo sonoro desde cero.
Este tipo de diseño sonoro es más habitual en el cine de ciencia ficción, de terror, y obviamente, en la animación.
Por otro lado, está el diseño de sonido más propio del cine argentino, latinoamericano y europeo.
En esta vertiente, los diseñadores de sonido trabajan toda la banda de sonido.
Aquí podríamos encuadrar por ejemplo el trabajo de Walter Murch. Y en este caso, es una especie de “director” del sonido de la película.
El sonido, al igual que una imagen, también puede tener cualidades estéticas (texturas o frecuencias que se utilizan por ejemplo en películas de superhéroes o del espacio) o psicológicas (efectos y sonidos sugerentes, agradables, inquietantes, molestos…). Es decir, el sonido no sólo aporta realismo a las imágenes; también puede crear una ambientación.
Además, podemos enfatizar el SILENCIO, y utilizarlo de una manera simbólica y metafórica para representar la ausencia, o el peligro.
O simplemente, por el mero placer de jugar con el lenguaje cinematográfico, como hizo Godard cortando el sonido en el famoso “minuto de silencio” de Bande a Part. Para el que no conozca esta película, su título da nombre a la productora de Quentin Tarantino, que es un gran fan de esta obra maestra de Godard.
Qué aporta el sonido en el cine:
En definitiva, aquí tenemos algunas de las funciones del sonido en el cine.
1 – Complementa a la imagen para comprender la historia.
2 – Amplia los límites de la pantalla (FUERA DE CAMPO).
3 – Soluciona problemas narrativos y da cohesión al montaje. Generalmente el sonido cambia mucho de una toma a otra, y es fundamental unir todo eso con un wildtrack, por ejemplo.
4 – Influye en el espectador de forma inconsciente.
El trabajo numero 2 consiste en la creación de una banda sonora para vuestro cortometraje, utilizaremos el programa gratuito Audacity de edición u otro que os permita editar sonido, hay galerías de sonidos gratuitas en Internet que podéis usar para añadir los efectos especiales.
TENDREMOS QUE CREAR LA BANDA SONORA INCORPORANDO MÍNIMO 4 SONIDOS.
Teoria:
La música siempre se dice que es la Banda Sonora de la vida de uno ¿cierto?, cuantas canciones se han hecho famosas por el cine, y a la inversa, quien no se enamoró de una BSO de alguna pelicula como «Ghost» «La Bamba» «Titanic» «Love Story» o quien no recuerda «Tiburón» por poner algún ejemplo,
EL ARTE DE LA MÚSICA EN EL CINE:
A CONTINUACIÓN ANALIZAREMOS las funciones que tiene la música en el cine siendo entre otras muchas las más destacadas:
Ambientar una historia en un tiempo y lugar determinado. Las escenas relacionadas con la Antigüedad, por ejemplo, no cuentan con la misma música que las escenas que suceden en un tiempo moderno.
Contribuir al desarrollo del elemento psicológico en los personajes. Además de indicarnos lo que sienten, la música puede ayudarnos a conocer la personalidad de los personajes.
Servir como fondo para los diálogos y darles un punto de sentimentalismo, dramatización, etc. O bien sustituir aquellos que sean innecesarios. Por ejemplo, en las típicas escenas de amor, cuando los dos protagonistas se conocen y comienzan a mantener una conversación, muchas veces no oímos ésta, sino que escuchamos una música adecuada para la escena.
Unir escenas que sin la música serían difíciles de conectar. Hacer más claras y accesibles algunas escenas. La música ayuda a que el espectador reciba claramente la lectura que el director quiere que haga de una escena o acción.
Hacer más claras y accesibles algunas escenas. La música ayuda a que el espectador reciba claramente la lectura que el director quiere que haga de una escena o acción.
Implicar emocionalmente al espectador. La música puede influir sobre los sentimientos y las emociones que el espectador experimenta a lo largo de la película, modificando el sentido de la imagen o anticipando una situación determinada, como en la famosa escena de la ducha en la película “Psicosis”.
LA MÚSICA EN EL UNIVERSO MARVEL:
EN EL VÍDEO QUE SE VERÁ A CONTINUACIÓN SALDRÁN LAS ESCENAS DE UNA PELÍCULA Y PRIMERO SE OIRÁ LA BANDA SONORA QUE UTILIZARON PARA INSPIRARSE Y PODER CREAR LA MÚSICA ORIGINAL DE LA CINTA, Y POSTERIORMENTE LA QUE LA ACOMPAÑA REALMENTE EN EL FILM:
El video "El Universo Sinfónico de Marvel " hecho por Tony Zhou (que Pablo Gutierrez subtituló al español - https://youtu.be/_GJ64y9xoQ8 ) generó muchísima polémica.
Dan Golding hizo otro video para responderle a Tony Zhou.
Este es su video llamado "Una Teoría sobre la Música para Cine".
Él se pregunta "Debería ser siempre original la música para cine? Esa es la pregunta que arranca desde el inicio del sonido en cine. Pero la nueva tecnología trae cambios - y, tal vez, es la respuesta a porqué todas las películas de Marvel parecen tener una música olvidable."
La Música en el Cine - La Gran Partitura - es un documental dividido en tres partes:
Las imágenes del cine son infinitas, pero sus sonidos no: todos estos gritos y ruidos te serán mucho más familiares de lo que piensas
1. Wilhelm Scream.
Creado en… 1956, para la película Tambores lejanos.
Ha sonado en… Batman, Batman vuelve, Aladdin, Toy Story, El quinto elemento, Piratas del Caribe y secuelas, Gremlins, Kill Bill, Padre de familia…
¿Cómo se hizo? Se trata de un conjunto de seis gritos grabados por separado y panoramizados para llenar el campo estéreo. El nombre del actor que se desgañitó para hacerlos posibles no ha pasado a la historia, aunque los expertos señalan al cantante Sheb Woolley, que redondeaba sus ingresos en el campo de los efectos de sonido.
Su historia: En Tambores lejanos, el ‘Wilhelm Scream’ sonaba por primera vez cuando uno de los soldados protagonistas era mordido por un caimán, además de en otras escenas de acción. Al tratarse de una grabación verosímil y bien definida, se convirtió en una de las estrellas del archivo de efectos sonoros de la Warner Bros. durante los 50, cayendo en el olvido durante las décadas posteriores… Hasta que, de 1977 en adelante, el ingeniero Ben Burrt lo puso de moda al emplearlo para las películas de Star Wars e Indiana Jones. Actualmente, sus máximos valedores son Peter Jackson (puedes escuchar el Wilhelm Scream en la trilogía El Señor de los anillos) y Quentin Tarantino, que lleva empleándolo desde Reservoir Dogs.
Castle Thunder.
Creado en… 1931, para la película El doctor Frankenstein.
Ha sonado en… Ciudadano Kane, Cleopatra, Regreso al futuro, Cazafantasmas, Golpe en la Pequeña China, Conan el bárbaro, La jungla 3…
¿Cómo se hizo? No se sabe. Puede que se trate de una grabación de campo o (lo más probable) de la vibración de una plancha metálica. Lo único seguro es que se grabó en cinta óptica, no magnética, y que ha sido copiado y editado tantas veces que su calidad es más que cuestionable. Lo cual, claro, forma parte de su leyenda…
Su historia: “Es un sonido estúpido y sobreutilizado, pero basta con oírlo para pensar en una casa embrujada”, dijo sobre el ‘Castle Thunder’ el ingeniero de sonido Frank Mangini. Y tiene razón, porque este es el efecto de sonido más usado de la historia del cine. Hace 81 años que James Whale lo empleó para presentarnos cierto castillo en Transilvania, y ha sonado desde entonces en al menos una película por año. Además de para ambientar tormentas (en Hill Valley, por ejemplo) y de aparecer en infinidad de trabajos de animación (su sonido era un clásico de Scooby Doo, por ejemplo), este trueno tiene otra ventaja: está tan distorsionado y tiene tantas oscilaciones de frecuencia que, acelerándolo, frenándolo o modificándolo de diversas maneras puedes obtener sonidos como la deceleración del Enterprise en Star Trek o la propulsión de los Ala-X en Star Wars.
Howie Scream.
Creado en… 1980, para la película The Ninth Configuration.
Ha sonado en… Broken Arrow: Alarma nuclear, Batman Forever, Asesinos natos, El último gran héroe, La jungla de cristal y en general en todas las películas en las que alguien cae desde un precipicio.
¿Cómo se hizo? Es fácil de suponer: un actor de doblaje (cuyo nombre, lástima, no ha trascendido) se deja las cuerdas vocales, y el ingeniero de turno aplica ecualización y una curva descendente de volumen.
Su historia: Conocido oficialmente con el largo (y soso) nombre de “Grito humano nº 3: alarido con caída” y perteneciente a la librería de efectos Hollywood Edge, este sonido tan desgarrador se ha ganado los apodos cariñosos de Youraaaagh (por razones obvias) y ‘Howie Scream’ por la escena en la que el actor Howie Long se despeña en Pánico nuclear. En tan solo 24 años se ha convertido en un hermano pequeño del Wilhelm Scream, y no sólo por sus apariciones en cine: resulta tan exagerado que sólo hace falta un punto de mala leche para convertirlo en un efecto cómico, y además LucasFilm empleó una variedad distorsionada para los sonidos de los cazas TIE en sus películas y juegos, de El Imperio contraataca en adelante.
Deep Note (o ‘el ruido de THX’)
Creado en… 1983, para la presentación del sistema de sonido de LucasFilm.
Ha sonado en… Todas las películas con sistema de sonido THX. ¿Te parece poco?
¿Cómo se hizo? Con sus 30 voces de polifonía y sus tres octavas de desplazamiento, el ‘Deep Note’ hubiese requerido un sintetizador del tamaño de un camión tráiler en 1980. Ahora lo puedes emular desde tu ordenador con un sinte software adecuado, pero en su momento hizo falta un programa de 2.000 líneas de código en lenguaje C, creado por el ingeniero James A. Moorer.
Su historia: Los espectadores que vieron El retorno del Jedi en el año de su estreno no daban crédito a sus oídos: aquel sonido tan espectacular, creado como tarjeta de presentación del sistema estéreo de George Lucas no tenía precedentes en el cine, y sólo podía equipararse a lo logrado por compositores majaras como Iannis Xenakis o Karlheinz Stockhausen a base de años de trabajo y grabaciones multipista. Para obtenerlo, Moorer empleó un armatoste denominado ASP (Audio Signal Processor) y la muestra sampleada de una nota de violonchelo modificada por su programa hasta 250.000 veces. La ‘nota profunda’, que se deja oír 4.000 veces al día en salas de todo el mundo, es una pieza única: el ASP fue desmantelado en 1986. Por lo tanto, estuvo a punto de perderse para siempre cuando Lucasfilm extravió su grabación original, que por fortuna fue recuperada.
Los rayos blaster de ‘Star Wars’
Creado en… 1977, para La guerra de las galaxias
Ha sonado en… Todas las películas y los juegos de la saga galáctica.
¿Cómo se hizo? Para los trabajos más finos, Ben Burrt solía recurrir a su sintetizador ARP 2600, una pequeña maravilla portátil responsable de los blip blops de R2-D2. Pero aquí se arremangó la camisa. Este héroe del diseño sonoro trepó por una torre de radiotransmisión armado con una grabadora y un martillo, con el cual aporreó los cables metálicos amortiguándolos después con su anillo de bodas. ¿Qué pensaría su señora de esto?
Su historia: El sonido de los blaster lleva en nuestra memoria desde que vimos a Darth Vader y sus tropas entrar en una nave espacial, o desde que Han Solo le voló los sesos a Greedo. Jamás ha sido empleado fuera de los trabajos de Lucasfilm, pero su origen es espectacular y nos sirve para homenajear el talento de Burrt, un tipo capaz de obtener el sonido de un sable de luz mezclando el ruido de una TV estropeada y el zumbido de un motor. Todo un ejemplo de la imaginación aplicada al oído.
El ‘Goofy Holler’.
Creado en… 1941, para el corto The Art of Skiing
Ha sonado en… Todas las producciones Disney de animación, y algunas de imagen real como Condorman y La bruja novata.
¿Cómo se hizo? Ni sintetizadores, ni sonidos muestreados, ni gaitas: para obtener ese sonido tan característico que el perro más torpe hace cuando se despeña desde las alturas, Disney recurrió al vocalista de yodel (canto tirolés) Hannès Schroll, el cual no se llevó un céntimo por la grabación.
Su historia: El grito de Goofy resultó tan divertido para los espectadores que la casa de Mickey Mouse lleva 61 años potenciando con él el efecto cómico de sus escenas. Es de señalar que el único filme de acción real fuera de la compañía donde puede oírse es Street Fighter. Ya sabíamos nosotros que una película así no podía ir en serio.
El timbre de teléfono Universal.
Creado en… 1974, para la serie Los casos de Rockford
Ha sonado en… Encuentros en la Tercera Fase, Tootsie, Los cazafantasmas, El golpe Juegos de guerra, El reportero, y en todas las producciones de Universal Studios en las que aparece un teléfono analógico.
¿Cómo se hizo? No tenemos ni idea: tampoco es que sea una obra maestra, la verdad. Sospechamos que los técnicos emplearon un despertador viejo.
Su historia: Considerado por Ben Burrt como “el efecto sonoro más feo y previsible del mundo”, el timbre Universal se hizo famoso en EE UU debido a la secuencia inicial de créditos de Los casos de Rockford. Tan reconocible como anodino, fue mucho más empleado en TV que en cine, dejándose oír en series como La mujer biónica y El equipo A. Actualmente ha caído en desuso porque, a fuerza de regrabaciones, los archivos presentan distorsión, pero Will Ferrell lo empleó como un guiño seventies en El reportero.
TRABAJO 3: CREA UNA INTRODUCCIÓN O INICIO Y UNOS CRÉDITOS FINALES PARA TU CORTO,MEDIANTE UN STOPMOTION.
PROGRAMA: STOP MOTION STUDIO O VIVA VIDEO.
TEORIA:
La transición es un efecto especial que se usa para indicar la aparición de una diapositiva durante una presentación con diapositivas. Generalmente esta técnica se pone en práctica durante el proceso de post producción (en caso de que se trate de una producción de una película u obra cinematográfica). Comúnmente se utiliza un corte normal y se añade la siguiente imagen. Muchos films también incluyen el uso selectivo de otro tipo de transiciones generalmente para transmitir cierto tono o estado de ánimo, sugerir el paso del tiempo, o separar partes de la historia.
Seven (David Fincher, 1995)
LA INTRODUCCIÓN O INICIO DE UNA PELÍCULA ,Títulos de crédito, créditos iniciales y letras del principio.
(Psycho 1960 Intro)
Hubo un tiempo en que los títulos de crédito se consideraban el momento en el que el espectador aprovechaba para abastecerse de palomitas y bebida. Hasta que en la década de los 50 el neoyorquino Saul Bass, un genio del diseño gráfico responsable de logotipos como el de Warner Music y Minolta, se convirtió también en un pionero en el cine. Aplicó su creatividad a cintas como Anatomía de un asesinato de Otto Preminger o Vértigo.
(Vertigo (Alfred Hitchcock, 1958))
Desde entonces, directores como David Fincher o Gaspar Noé los han entendido como una declaración inicial de intenciones de sus películas, el modo de situar a la audiencia dentro de su relato personal antes incluso de que los personajes aparezcan en pantalla. Con ellos acentúan su imagen de marca.
(Gaspar Noé's ENTER THE VOID - Opening Credits (HD))
(El Club de la Lucha’, David Fincher (1999))
La secuencia de créditos en un filme, cuando abren la película, es tan importante como vestirte bien en una primera cita. Es la primera impresión que el público tendrá de la película y más le vale al cineasta engancharnos desde ahí, o no nos quedaremos al postre.
(Los hombres que no amaban a las mujeres (The Girl With The Dragon Tattoo, David Fincher, 2011))
La gente llama a esta parte de muchas maneras: créditos de inicio, títulos de crédito, openings, las letras del principio, o intro. Sea lo que sea, todos sabemos que es.
Y hay algunos que son verdaderas obras maestras que se nos han quedado en cabeza, ya sea por las letras, las imágenes, estilo o música.
(Goldfinger (Guy Hamilton, 1964))
Los títulos de crédito abren o cierran una película. Son pequeñas piezas audiovisuales que muchas veces, al margen de la calidad de la película a la que pertenecen, pueden ser consideradas como verdaderas obras de arte.
(Watchmen [2009] - Intro)
(Saul Bass title sequence - Anatomy of a murder (1959))
Napoleon Dynamite credits.
Los 10 mejores créditos iniciales cinematográficos:
El Stop Motion es una técnica que ya se usaba en los comienzos del cine y que en un principio se usaba para añadir efectos especiales a las películas. Esta método de animación se basa en la toma de fotografías, fotograma a fotograma, principalmente de un objeto inanimado. De este modo se consigue que elementos estáticos adquieran vida.
La animación mediante este sistema no conlleva un único método. Pues existen múltiples variantes, puesto que se la considera una técnica artística y depende como tal del creador. Aunque su uso, es común en animaciones utilizando pequeños decorados y figuras de arcilla, también se puede utilizar con actores.
Tim Burton usaba esta técnica. Hay muchas películas que usan el Stop Motion, aquí os dejo una pequeña lista de alguna de ellas:
HAZ UN VIDEO CREATIVO DE 30 SEGUNDOS CON UNA CANCION SIMULANDO UN VIDEO CLIP.
UTILIZA TRANSICIONES VARIADAS DE UNA MANERA DINÁMICA Y CREATIVA.
HAZ 2 TRANSICIONES LATERAL
HAZ 2 TRANSICION CON GIRO O BARRIDO .
HAZ 2 TRANSICIONES DE COLOR.
HAZ 2 TRANSICIONES CON LA MANO.
EJEMPLO:
TEORIA:
Una transición se utiliza en edición para desplazar una escena de una toma a la siguiente.
En las películas y series la transición más usada es la de corte directo, no ocurre lo mismo en los videos creados para plataformas como YouTube, Vimeo, en este tipo de videos, la necesidad de hacer algo diferente y novedoso se ha vuelto una prioridad si se quiere destacar de entre miles y miles de videos que se suben a diario.
Las transiciones que vienen por defecto en los programas de edición tales como barridos, zoom y disoluciones, están ya muy vistas, esto hace que la búsqueda de presets por internet por parte de los usuarios para aumentar el número de transiciones prediseñadas de estos programas haya aumentado.
SELECCIONA UNA DE LAS PELÍCULAS ENUNCIADAS A CONTINUACIÓN Y RELLENA LA FICHA QUE APARECE
AL FINAL DEL POST.
EL CRITERIO PARA LA ELECCIÓN DE PELÍCULAS ES ESTÉTICO, PODÉIS HACER PROPUESTAS DE OTRAS OPCIONES PERO SIEMPRE QUE TENGAN UNA BELLEZA EN LA IMAGEN Y FOTOGRAFÍA CINEMATOGRÁFICA.
PELÍCULAS POR GÉNERO:
ACCIÓN:
KILL BILL 1 Y 2.
300.
INMORTALS.
Mad Max: Furia en la carretera (2015).
MATRIX 1, 2 Y 3.
ORIGEN.
EL CABALLERO OSCURO 1, 2 Y 3.
EL CLUB DE LA LUCHA.
SEVEN .
Sin city (2005).
La casa de las dagas voladoras (2004).
'Tigre y Dragón' (Peter Pau, 2000).
Blade Runner (1982).
'Blade Runner 2049' (Roger Deakins, 2017).
Hero (Dir. Zhang Yimou, 2004).
Sucker Punch (2011).
MUSICALES:
CHICAGO(Rob Marshall, 2002).
LOS MISERABLES.
BAILAR EN LA OSCURIDAD.
MOULIN ROUGE .
'La La Land (La ciudad de las estrellas)' (Linus Sandgren, 2016).
AMOR :
Big Fish (2003).
El gran hotel Budapest (2014).
LA FUENTE DE LA VIDA .
EL ÁRBOL DE LA VIDA.
La forma del agua.
AMELIE .
LOS AMANTES DEL CIRCULO POLAR .
El curioso caso de Benjamin Button.
LA INVENCIÓN DE HUGO.
“UP”.
TRISTES Y DURAS :
'Cisne negro' (Matthew Libatique, 2010).
La vida de Pi.
MEMENTO .
ANIMACIÓN O DIBUJOS :
Kubo y las dos cuerdas mágicas.
NÚMERO 9 .
PESADILLA ANTES DE NAVIDAD.
Del revés (Inside Out)'.
EL VIAJE DE CHIHIRO.
LOS MUNDOS DE CORALINE.
FICHA A REALIZAR DE UNA PELÍCULA.
ALUMNO: CURSO:
TÍTULO DE PELÍCULA:
1.Ficha Técnica:
2.Ficha Artística:
3.Premios:
4.¿Es una adaptación literaria?
5.Sinopsis:
6.Breve reseña del director/ otras películas del mismo:
7.Películas relacionadas (de la misma temática o estilo):
8.Lecturas relacionadas:
9.A destacar:
10.Curiosidades y anécdotas:
11.¿Por qué hay que verla?
12.¿Te ha gustado? Explica tu respuesta.
13.Comentar la escena que más te haya gustado o llamado la atención. Ponle nota del 1 al 10.
14.Seleccionar una escena o el trailer y exponer en clase.
Desde el comienzo del cine el termino Montaje se ha utilizado para referirnos a la última etapa de un proceso de realización cinematográfica.
Los directores filmarían y los fragmentos de película se unirían mecánicamente en una máquina de corte, encolado y sincronización llamada Moviola.
La Moviola nació como un aparato para ver el cine en casa que más tarde al ver las posibilidades que tenía para poder editar los rollos de celuloide se vendió a las productoras para editar sus películas.
Las posibilidades de edición eran muy grandes ya que se podía cortar e ir uniendo los cortes con cola, una vez secos se podía visualizar el resultado.
Edición:
Con la llegada del vídeo en la década de 1950, el material electrónico se manejó en rollos de cintas a través de un sistema de edición lineal, es en este momento cuando aparece la denominación de “edición de video”.
Las ediciones lineales se realizaban usando una o más reproductoras “PLAYER” y una grabadora “RECORDER”.
El editor era el encargado de ir seleccionando imágenes de cada una de las PLAYER y mezclándolas en tiempo real mientras el RECORDER grababa todo el proceso.
Para realizar esta labor se usaba un CONTROLADOR de edición encargado de ubicar puntos exactos de entrada y salida en las cintas instaladas en cada uno de los PLAYERS.
A la hora de grabar, todo tenía que estar muy estudiado de antemano, los cambios se iban realizando en tiempo real a la misma vez que se reproducía el resultado en un monitor.
La ERA Digital:
Cuando el mundo digital llegó al cine gracias al desarrollo de la tecnología informática, este proceso de cortar y pegar se vuelve mucho mas sencillo.
La edición pasó a llamarse “NO LINEAL” ya que podemos cortar y pegar en cualquier momento, sin tener que seguir un orden de principio a fin.
¿Montaje = Edición?:
Si te das cuenta en ambos casos realizamos el mismo proceso cuya finalidad es crear un mensaje audiovisual.
Se llega al mismo resultado, independientemente de si se realiza cortando y pegando fisicamente las piezas de película, o usando controladores o software informático en sistemas Lineales o No lineales.
Por lo tanto, la respuesta a esta pregunta es que SI, la única diferencia se encuentra en la naturaleza de los medios que usemos para crear nuestra pieza audiovisual, pudiendo ser películas de celuloide, cinta magnéticas o imágenes digitales.
